值得买丨你看得懂吗？精选“Hot100”给你Collect+艺术周最干货（1~20）

小编注：近日，在艺App发起并主办“2020春季·Collect+艺术周”，携手大中华区30家重要画廊、25家美术馆、23家拍卖行及60家媒体合作伙伴、品牌与机构，共同打造中国首个“云端艺术周”。

作为艺术品交易的重要版块，“线上艺博会”版块呈现大中华区34家一线画廊带来的300多位艺术家、1000多件重要作品，千件艺术品怎么挑？不知所云的当代艺术究竟表达了什么？小小值这就为你来划重点，值得买“Hot100”专题精选，我们先看看不说话~

01 Jutta Koether 新女性

Jutta Koether 尤塔·克特尔1958年出生于德国。作为在20世纪90年代崭露头角的艺术家，她既是音乐家，也是理论家、行为艺术家和作家。她提出“在一个‘场域’里呈现绘画，以便将绘画与其他学科可能的联系以视觉方式表现出来，同时打通那些看似不可能的联系。 她的个人经历和艺术创作构建出一个兼收并蓄的艺术家谱系，探索从早期现代透视绘画到象征主义、后印象派和超现实主义的丰富模型。她以新颖的方式展示她的作品，在讲座中、悬停在半空中、或举在手中。柯特尔作品惯有的，缓慢而严谨的思考体现在装置、雕塑、行为和写作等各类形式中，但它们终归是自绘画出发而回归绘画。 厉为阁此次带来的《新女性》(Neue Frau) 是竖构图，表达出柯特尔对“新女性”的看法。《新女性》以曼哈顿下东区为背景，缎带环圈覆盖在高瞻远瞩的政治家亚历山德里亚·奥卡西奥·科尔特斯 (Alexandria Ocasio- Cortez) 的壁画上。这可能是一种对基督和复兴的暗示，就像作品中华酷似科特尔的女子面前从混凝土中长出来的、脆弱而强韧的植物。 作为一位国际知名的艺术家，她的作品具有国际画廊推广与美术馆收藏的背景，多种视觉比喻和观念策略并存的艺术家不可多得。

02 高伟刚 一万年

高伟刚 1976年出生在中国黑龙江。1998年高伟刚于天津美术学院毕业。他通常在特定地点进行装置艺术创作，模糊主观和客观的参与之间的界限。高伟刚的作品往往采用形而上学的策略，给出一个让观者非常容易进入的形态，材料或是美学的感受，但是在作品的主题或是态度上却往往给出一个冲突的角度，之间的反差让人不禁思考。 高伟刚以日常“现成物”（ready-made）、打破主客二元论的风景与散布现场的装置构建了某种碎片化的后现代叙事。 沪申画廊带来的高伟刚作品《一万年》系列，向观众讲述了一种关于客观时间下的浪漫。艺术家本人说：“今日就是明日的废墟”，就如巴尔纳特·纽曼不能想到“现在的瞬间”，“这个瞬间试图站在未来和过去之间，让未来和过去把自己吃掉。”

艺术家在宁静深沉的古典主义风景绘画之上添加某种极简主义的材料而形成新的问题与转变，借由设置的这些突兀，形成观众与画面之间交流与认知上小小的障碍，从而在“绕行”中玩味其更深层的观念与逻辑。 艺术家和作品都是又“伟”又“刚”，想来挑战一下吗？

03 名和晃平 Throne(p/g_boy)

日本艺术家名和晃平 Kohei NAWA 出生于70年代的日本，90年代开始学习雕塑，被誉为日本最受瞩目的艺术家之一。 其作品关注自然、科技、材料，以跨学科的方式探索对于虚拟与实体空间的感知。艺术家表示，“我对于这个地球上的所有现象和物质的兴趣要早于我的创作本身。有时候正是这些持续变化着的物质在引领着我去发现那些使人类的感知力可视化，或是将无形的“力”可视化的现象。”

自研习雕塑以来，艺术家一直致力于对形式和线条的广泛探索，他对多元前沿媒材的大胆使用亦为其作品带来了无限可能性,创建了诸多具有新型雕塑感的作品。 阿拉里奥画廊此次展出的“Throne”系列雕塑作品是艺术家将 3D建模技术与传统日本漆艺和金箔技术结合使用的结果，在极具现代感与未来感的金属色表面下传递着“宝座”所隐含的历史含义。 作为日本最受瞩目的艺术家之一，他的作品很抢手，无需多说。


04 高源 我们要下车

高源1986年出生于云南昆明。2009年，她从中国传媒大学动画艺术专业毕业，获学士学位。动画作品多次入选国内外电影节，包括“香港国际电影节”（2018 & 2017）、“温哥华电影节”（2017）、“鹿特丹国际电影节”（2017）等。

艺术家擅长使用循环的叙事方式，将许多具有着丰富寓意的主题——这些主题既是视觉的、形状的、图像的，也是概念的，充满隐晦的比喻性——间隔性地呈现于动画中，为动画组织起结构。 胶囊上海带来的作品《我们要下车 We want to get of》并没有作为场景在动画《月晷》中出现，却对高源有较特殊的意义。作品创作于2011年，期间高源独自于北京望京居住，经常深夜在外取景，记录了夜晚的北京街道。奔波于生活和周遭的不确定性被定格在画面上。 她的作品被M+ 美术馆、香港骄阳基金会以及摩根大通收藏。跟着它们做收藏，准没错！

05 廖斐 广延珍珠-2

廖斐1981年出生于江西省景德镇市，2006年毕业于上海师范大学，现工作生活于上海。

廖斐虽以概念论者的姿态自持，但其作品中日常小摆设的介入阻碍了他追求纯粹理论的诉求。其策略上的目标是从根本上改写发散性看待世界的方式。 Vanguard 画廊参展的廖斐作品《广延雕塑》系列，分别由扎带缠绕的大理石、混凝土和木条制作而成。这些小件的作品企图通过简洁直观的视觉讲数学命题的证明形象化，然而它们最终失败了，意想不到的复杂性使它们显得杂乱无章且毫无结论性。它们犹如展览中与之形态相似但体积更大的雕塑作品的练习版本，详述并强调了同样的难题。 他的思想和康德、笛卡尔、莱布尼茨曾有过交流，而呈现出来的作品或许是帮助你拔高认知的捷径。

06 吴训木 无声野性

吴训木 1947年出生于上海，他曾在大漠戈壁、天山腹地生活了17年，吆车人、牧羊人、筑路工的生活是他创作的源泉，那里广阔的原野，静逸的山岭、辽远的夜空，与自然相处的苦乐，都融入了他的灵魂。 吴训木的画，形式是抽象的，但内容却存在着强烈的叙事性，是以形式书写内容，表面看似抽象，其实抽象的背后承载着个人情感的流泻。

奥赛画廊展出的吴训木作品《无声野性》，画家用重彩，以泼洒、皴擦、厚涂等方式堆砌了画面的体积感，用叙事的手法来铺陈画面，线条的使用极其奔放、大胆，带有墨韵的宣泄与流畅。 他的画是对万物生生不息的体悟，强烈的形式感、作品背后隐喻的哲理性是选择购买其作品的关键。

07 Rebekka Steiger （高嫣）putting out fire with gasoline

Rebekka Steiger （高嫣）是1993出生的瑞士新锐艺术家，2018年在麦勒画郎北京举办了首个个展“猫头鹰－virages nocturnes”。艺术家将于2020年3月22日至5月24日于瑞士Kunsthaus Grenchen举办名为“Boxing The Compass”的个人展览。

通过层层叠叠的色彩渲染，Rebekka Steiger将其对情感和氛围的感知以微妙而有趣的方式转化成具有浓厚神秘感的画面，从而达到出其不意的效果。具象与抽象的冲突和博弈、鲜亮色彩的层叠渲染、毫无叙事逻辑可循的画面，这一切不仅让绘画创作本身天马行空，也让观者感觉妙趣横生的同时又有所不安。 麦勒画廊展出的Rebekka Steiger 作品《putting out fire with gasoline》是这位新锐艺术家在参加麦勒画廊北京“艺术家驻地项目”期间创作的最新绘画和纸上作品。艺术家延续了其一贯的创作风格，在异国他乡的逗留也使其心理和创作状态更为开放、自由。 以这位90后新锐艺术家现在的价格和市场来说，潜力非常之大，收藏她的作品有很大的增值可能。

08 翟倞 生活的表演

翟倞1983 年生于山西，2006 年毕业于四川美术学院油画系，2009 年获得中央美术学院油画系硕士学位。现工作生活于北京。 翟倞在他庞杂的知识系统里面，跳跃式的选择主题，根据所画出的作品，推衍出下一个作品该怎么做，形成了一个视觉逻辑，所以，每个作品都很鲜活，反映了艺术家在处理新的作品时的笨拙和朴素。他常常向“前现代主义”的艺术家学习。勃鲁盖尔、马奈那种简洁与朴素，深深的影响了他。 空白空间展出的这件翟倞作品《生活的表演》画面里人物的形象和事件性的夸张描绘，仿佛真的看到了在生活中努力表演的人们。翟倞作品里面的不同风格，肖像，抽象，文字……其实本质上都是一样的，都是按照绘画本身的逻辑运行着，都是关于一个问题 ——“我们如何虚构一个世界”。 这位艺术家的视觉逻辑，肯定会得到英国实证主义-分析哲学学派的青睐，收藏他的作品，把大英的哲学巨头都搬回了家。

09 李姝睿 仿生樱桃

李姝睿 1981 年生于重庆。2004 年毕业于四川美术学院，获亚洲文化协会（ACC）2016 年纽约奖助金驻留项目。

研究光源和色彩的运动变化是李姝睿艺术实践的核心。艺术家坚信在不同的文化和时代里，“光”和“空间”的运用都能反映和塑造时代中个体的需求和精神状态。近年来，艺术家发展出更综合性的工作方法系统，并在设定色彩系统后进行样本采集和罗列。 空白空间展出的这件李姝睿作品《仿生樱桃》，艺术家从自身经验出发，以多种实践探讨了绘画边界、形式感本身和其功能性的问题。

10 朱岚 生系列

朱岚 1962年 生于北京，1979-1983年解放军艺术学院美术系国画专业本科毕业，1988-1990年日本京都市立艺术大学意大利湿壁画专业研究生毕业，职业画家, 现生活在北京和加拿大。

朱岚的作品以丰富而变化的线展现复杂中又隐含着混沌之上的清晰与自由，艺术家在20多年的水墨抽象创作与思考中形成了自己独具一格的表达方式，如艺术家所言“抽象是用不具体的形象记录那种清晰但不可言喻的具体感受。 东京画廊+BTAP此次展出的朱岚作品《生系列》，看似是一种无标准无定义的状态，使得它根据所处的环境不同，感知力的不同，观察的角度不同和此时此刻的状态不同在层面上可浅可深，共鸣有轻有重。视野和胸襟虽然能对作品举足轻重，但它并不是全部，只有当它与劳作、经验默化融汇后才能彰显其深度。” 她的抽象绘画语言成熟、有艺术家独特的思考方式，几幅精品小作价格在万元左右，轻松收藏。

11 赵赵 天空

赵赵 出生于1982年，中国新疆。2003年获得新疆艺术学院美术系学士学位，其后前往北京电影学院进修。作为80后当代中国关键艺术家之一，热衷于利用各种艺术媒介对现实及其意识形态传统惯例提出挑战，强调个体的自由意志，表达不守成规与无政府主义的态度。

赵赵具挑衅性及丰富的艺术实践获得国际间的关注及重视，在中国，北美和欧洲的展览广受好评，赵赵被视作国际新锐艺术家，2017年获得了第十一届“AAC 艺术中国年度青年艺术家提名奖”。 赵赵自始至终都持续着颠覆性的方式进行创作，他热衷于利用各种艺术媒介对现实及其艺术形态传统惯例提出挑战，其各种领域的作品旨在探讨个体自由意志的力量和权威控制的力度。他在创作中关注并且展现当代剧变中的中国，并且直面人类内心的苦痛和压力。其作品中不时出现威胁与风险的概念，暗喻当今中国和全球背景下人们的生活境遇，以及在现代社会中的短暂与无常。同时，作品也反映了他对集体主义与个人理想相互并存的思考。 当代唐人艺术中心带来《天空》这一作品，他所持续创作的系列绘画作品《天空》，是他自己虚构出来的天空。他在绘画中呈现出来的个人感知来自于对天空的记忆，并非真实所见。天空原本的蓝色在他的作品中被提炼成为一个抽象的概念。 正如当代唐人艺术中心郑林所说，赵赵的作品不买就真的买不到了，你不赶紧考虑一下？

12卜镝 规范的林泉 17-34

卜镝出生于1970年，自幼随父亲习画，热衷于中国传统文化及艺术，特别是对佛教美术的学习、研究和收集。 卜镝的绘画不仅源于其个人经验辩证的堆积，也始终栖于他对现代主义影响下的西方绘画与东方古美术殊途同归的平衡归纳。借由山林与泉石的“式”与“势”，卜镝在山水景象的解构之中探索绘画语言本身的运作机制及其生成时的内在动力。 蜂巢当代艺术中心展出的卜镝作品《规范的林泉》当中包含了诸多主要是作品结构上的尝试，这也是所谓“规范”的内在含义，作品当中山石以“水滴”的形态分布，仿佛是山脚中的一隅，画面结构从一角开始生长，以一种假想中的目中所见层层嵌套、咬合。 卜镝自己也是一位藏家，但他说他只是喜欢买东西，那就跟着他一起来买艺术的东西吧。

13 关根伸夫（1942～2019）“空相－皮肤 125”（水面之月）

关根伸夫 1942年出生于日本埼玉县，1968年毕业于多摩美术大学油画系。作为“物派”(Mono-ha)的代表性人物，活跃于国际间的艺术展览。他的作品包括大地艺术、天然和工业材料的装置、场域特地的人形立体雕塑、以及探索绘画媒材的平面创作。

亚洲艺术中心所带来关根伸夫的“空相-皮肤”系列作品由三个角度推展和实践“物派”(Mono-ha)的理念与精神；首先可从作品皱褶所产生的物理性，明确地展现“物派”(Mono-ha)的“实体”与“非想象”；接着进一步的呈现（皱褶）受放均衡的物理法则 - 自然而平衡；最后他透过画布上明显与隐微的皱纹、折痕、凹凸，展现拓扑空间薄膜浪潮，探究物理定律中的膨胀、收缩、平衡，若说未来宇宙无垠的空间有收缩的可能（尽管自宇宙大爆炸以来它正在迅速扩张），“空相 - 皮肤”画布的可塑性记录着艺术家创作时身体拉力与张力，如同宏大世界的缩影 - 每个皱纹与折痕恰如宇宙中的一花一世界。

关根伸夫作为“物派”(Mono-ha)的创始人和领军人物，收藏他的作品如同收藏这段重要的美术史，极具历史及艺术价值。

14 徐毛毛 被压制的红色

徐毛毛 1979生于中国新疆，2002毕业于西安美术学院 现工作生活于北京。
徐毛毛喜欢用平涂的纯色,刷出一个平面的空间, 轻松明快的风格避免了会让人发疯的沉重。斑马、观音、草莓、圆点构成了徐毛毛式的独特标签,这些符号在她的作品中反复出现。她的画也在卡通外壳下包裹着淡淡的忧愁和感伤。 星空间展出徐毛毛作品《被压制的红色》，画面构成元素简单，色彩配置明亮，扭曲的物体形状和色块的摆放随意又略有对称。艺术家自叙：这样的画能表达内心想要的东西，它就在潜意识里存在着，提笔就画。她深受日本漫画影响，至今仍在看。 徐毛毛的作品中观者很容易就扑捉到敏感和细腻的精神气质，是她对生活中一些过往的回忆，购买她的作品，一起“追忆似水年华”！

15 John McLean 深粉色

John McLean (1939-2019)，麦克林是20世纪美国艺术批评家格林伯格最为推崇的艺术家之一，80年代之前，受到西方世界的高度评价。 色彩是麦克林所有绘画作品的根基，被西方艺术界称之为“伟大的色彩艺术家”，也是继塞尚、马蒂斯之后，通过颜色的方式来构建绘画与色彩的关系深度探讨的艺术家。艺术作品中各种元素的相关联性作为其绘画主题，约翰·埃尔德菲尔德称之为“一种简单的真实性”。 七十年代末到八十年代，有着五颜六色的愉悦色彩、细致精微的“笔触画作”这一表现方式的重要呈现。偏锋画廊这次带来的John McLean八十年代作品《深粉色》中便可以清晰地捕捉到。 温润、谦和、扑面而来的都是愉悦的气息，还有什么理由拒绝这么愉快的绘画。

16 梁缨 鲜花盛开

梁缨 1961年出生于北京，曾先后毕业于广州美术学院国画系、德国汉堡美术学院艺术系、现工作生活于北京。 梁缨的自幼随父学画，后留学德国多年，兼擅油画、版画、水墨画，画风融会中西，她的作品构图大胆、用色奇特，是对观看者的视觉挑战。 由艺凯旋画廊带来的参展作品梁缨《鲜花盛开》是极富梁缨个人创作风格的作品，从用笔、用墨到用色都尽享不羁与大胆的风格特点，舒朗大气，一点不娇作，展现出无羁、豁达的女性主义色彩。 凭借这种富于女性主义视角和表现主义精神的独特画风，梁缨成为中国当代绘画领域中的代表女性艺术家，她的作品收藏前景可期。

17 王天德 入夜听雪明

自1996年创作《水墨餐单》——以着墨宣纸覆盖桌椅餐具，将古体诗改造为菜单——之后，中国当代水墨的艺术家名单里，从此就少不了王天德这个名字。而1960年出生于上海的王天德，1988年毕业于浙江美术学院（中国美术学院的前身）中国画系，彼时正值中国新艺术浪潮发展的高峰期。经历过85思潮、89新潮后的王天德，一直在中国传统山水的线索脉络里，探讨着媒介和水墨语言的更多可能性。 2002年开始，王天德开始探讨“水墨”之外的媒介语言的可塑性——在传统宣纸上，以水墨、拓印、灼烫（烟烫和香烫）等叠加的方式进行语言探索，其中尤以灼烫的技法最为著名。

此技法是艺术家在一幅水墨山水之上，附上另外一幅以香烫灼烧出细致烧孔的山水，而后将两张作品叠加进行装裱，以此创作出一种新的空间关系和语言关系的当代艺术作品。这样创作的作品，会给人以极其特殊的视觉体验，远观整体是一幅中国山水无疑，但近观细节之处，香烫与水墨叠加所产生的独特效果却又几近陌生，甚至难以辨认。 这件墨斋带来的作品《入夜听雪图》就是以这样的语言方式完成的，是一件非常具有王天德风格与艺术面貌的精彩之作。从作品中，不仅暗示了传统与当代中国文化之间不可逆转的裂痕，同时也表达出毁灭性的当代力量也可能带来创新性的改变。既传统又当代，不破不立！

18 毛旭辉 星空

这个被《胡润艺术榜》收录的中国当代艺术启蒙运动——85思潮的核心人物毛旭辉，对于80年代之后中国当代艺术界的影响，曾被誉为是：“绝无仅有”。 当代艺术史研究学者吕彭曾在其著作《中国现代艺术史》这样肯定过毛旭辉的创作：“毛旭辉显然代表了一批丧失‘理想’，对存在表示极大怀疑并且对未来不抱任何希望的艺术家。这类艺术家之所以能够保持画画的状态，是因为他们具有一种力量，即生存意志的力量。” 毛旭辉一直非常重视用具象的形式（并非”现实主义“或者”写实“）表达自己的思想，这使得很多艺评家将他归纳进表现主义绘画的范畴，虽不能说是误解，但至少是不够确切的。就比如这件创作于2018年的《星空》，简练流畅的线条，用笔醇熟而游刃有余；看似有几分稚气的画面，其实老辣得极富张力。

然而最令人惊奇的是，这幅画作与其以往为人熟知的作品气氛大相径庭，其中展露的情感，有着某种来自于生活体验的升凝。毛旭辉自己也说，这是他非常喜欢 一件作品，有艺术升华的力量。

19 卢辉 瑞雪19-1

卢辉是“70后”，江苏人，本科毕业于南京艺术艺术学院中国画专业，后来又到北大进修研究生。他一直从事水墨创作，骨子里有很传统的水墨气息。但是就是这样一个人，他的画作乍一看却一点也不像水墨画，反倒很像是摄影。 这是他作品中非常独特的味道，既不像新水墨，也一点不传统，而是用水墨罩染的方式，画出来西方古典绘画的厚重感。这其中最难的，就是对留白的处理。水墨画的“白”是留出来的，他作品中这种层层叠叠的的细节，要做到留白，必须是对作品创作的每一步都考虑的非常清楚，胸有成竹才行。这仰赖于卢辉多年习画下来，对于水墨这一媒材与技法的精准掌控。 而虽然卢辉对传统媒材和中国传统文化思维非常了解和熟悉，但是他却并没有被局限在一个中国的或者传统文化的思维框架里，更没有被局限在一个媒介的固有思维里，而是在思考和探索“水墨”这一具有中国传统文化性格与特点的语言，应该怎么样去突破和革新。

前波画廊带来的这件《瑞雪19-1》就是他这一探索中非常具有代表性的作品。画作中很多细致而微店地方，处理得理精致而有序，看着是一个细节，或者一个片段，但却说明了很多问题。这是卢辉的画作为什么值得被收藏的原因：好看且耐看、挂起来直接就能观赏，没有过多的空间展示需求、具有成长性，创作的成长也意味着市场的成长。

20 王鉴为 我带着时空而来

初看王鉴为的画，以为是油画，细看之后才发现，竟然是新水墨。但是诚如中央美术学院教授著名评论人赵力所说的：初看的时候，有一点摸不着头脑的感觉，因为他的作品与我们旧有的知识和经验毫不搭界，让你只有种“噤若寒蝉”的感觉。

王鉴为，1998年至2000年就读于中国书法学院，2001年至2002年就读于中央美术学院，2004年至2005年就读于中国国家画院高研班。从学龄推断，王鉴为应该是名“80后”，而且一直以来都在从事水墨探索。

从他可见的作品中看，似乎偏向于抽象，但是很令人意外的是，他的创作并不是抽象的结果，他作品中的很多事物，都有着明确的形状和个性化的形式，以及确凿相关的语境，甚至形成了符号，这与他此前一直以西方表现主义风格为创作语言有关，另一个层面，则是来自中国的传统文化经验和佛教思维。 艾米李画廊带来的《我带着时空而来》就是这样的一张作品，看似抽象又非抽象，杂糅了一丝西方绘画的风格，很多图像又带有明显的东方意味。作品中，艺术家的“方圆”，与西方思维的“平行时空和平行宇宙”交叠，最终的呈现，是具有普世主义的几何形态和色彩，显得纯粹又简单。

其实人生，活到最后或者都是一样的，放得下的时候，一切可懂可得。

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