把CD铺搬进卧室，开聊爵士乐迷的入坑指南

第一次深入了解Jazz爵士乐是从高中同学的一本《爵士乐群英谱》开始的，此前只是把爵士当作一种具备强烈节奏感的随性音乐，不如古典乐那么复杂、那么有技法、那么有内涵。然而村上春树的文字里，让我感受到了爵士乐的独特魅力，很随性，很情绪化，甚至还想过像村上春树那样开一个爵士咖啡厅。

现实不是每个人都那么的幸运，长大了的我只是默默无闻的底层打工人。不过这些年一直有喜爱着爵士乐，前前后后收集了不少CD碟。新家的卧室特意弄了一个CD架子，把珍藏的CD碟都摆了上去。

我发现聆听爵士不需要多好的设备，一套素质均衡的有源小音箱，一个随身听播放CD碟就行。(我的NE20随身听还是我高中一直用下来的，由于外壳损坏很严重，我自己把它改造成了现在这个样子)

爵士乐聆听指南

开聊爵士音乐，感觉很多人都是从星巴克等美式咖啡馆里接触到的。还有很多人会将蓝调和爵士乐混为一谈。蓝调其实很好区分，毕竟8，12，16小节那么固定的模式，还有布鲁斯音阶，很难不让人识别出来。爵士乐就要复杂很多，它继承了一些蓝调的曲式，又经历了爵士融合，很包容，风格很多样化。

发现很多入坑爵士乐的指南，都会从历史讲起。从历史聊起，的确可以很清晰地将爵士乐的各种演变和分支说清楚，可是从聆听的角度来说，未免有点学术了一些。早期的爵士乐都是舞厅的即兴演奏，很热闹，乃至嘈杂。我还有朋友误会过，以为Jazz的中文称呼是街市乐，像街市那么喧嚣。

网上流传入坑Jazz的20张专辑

我注意过说爵士乐吵的，听不下去的朋友，嫌弃的都是美国唢呐，也就是小号的声音。小号在爵士乐的地位太重要了，它声音穿透性很强，很有表现力。早期舞厅的那些爵士摇摆乐，很需要小号这种表现力强的乐器进行即兴的情感表达。也因这个冲击力，很多的音箱没办法回放出来，因此它们没有足够的动态范围展现出其爆发力。要将高动态和响度的声音，混音到合适家用音箱播放，不是一般音箱可以做到的。

这也是为什么有些HiFi老烧特别的偏爱大音箱，小音箱回放的响度大都不如大音箱高。用人话来说，就是在播放这种具备冲击力的音乐时，小音箱容易出现破音的情况。耳机也会出现这种情况，为了保护听力，耳机的动态范围是受限的。爵士小号因为难以驾驭，一般人很难吹出那么宽的音域，参考Dizzy Gillespie，嘴巴都鼓的像青蛙一样了。普通小音箱回放爵士小号，声音很容易闷。

没有好音箱去聆听小号为主要乐器的爵士乐，并不影响我们去聆听爵士乐，因为爵士乐里还有以萨克斯，钢琴，吉他，小提琴等乐器演奏的曲目。一些乐器的回放对设备的要求没那么高。所以我的这篇指南，会从乐器的角度进行入门推荐，而不是从历史演变的方式来聊。

小号

从核心乐器的角度去聆听爵士乐的话，小号总会被提起，刻板印象就如电影《海上钢琴师》里，小号手是即兴独奏了一小段Jazz来面试的。奠定爵士乐的几个演奏者里面，吹小号的路易阿姆斯特朗Louis Armstrong总会被提起，还有他所在的乐队核心国王奥利弗。路易阿姆斯特朗后来也有自己的乐队，热力五人组和热力七人组。用好音箱聆听的时候，特别能感受到其高音的震撼。

事实上，聆听爵士小号也不一定要大体积的音箱，市面上有很多素质优秀的小音箱，例如我使用的就是真力小音箱G One。真力采用的是铝制外壳，比传统木制箱体更坚固，也更薄。同样外观下，会比木制箱体的容积大。为此小小的音箱，也可以拥有更高的音量和更低的低频下潜。我的卧室本来就小，不适合摆放大音箱，G One的大小是绝配。周末的下午，懒慵慵地躺在床上听着摇摆爵士乐，就是极好的解压模式。

摇摆时代的爵士乐小号手还有Roy Eldridge和Dizzy Gillespie，他两合奏的Blue Moon很经典，本应慢速庄重的一首曲子，经过他们解构后很抒情，那小号音色特别的“酥”。Roy Eldridge玩这种解构也不是第一次，After You've Gone本应该是很阴郁缓慢的，改编后速度变快，摇摆感十足。

爵士小号真的特别要尝试听的是眩晕，对爵士乐的先锋前沿很敏锐，后面还和Charlie Parker玩起来比波普Be-bop，摆脱了传统爵士乐那种旋律制约，更加随性。新港音乐节这专辑就是眩晕公认的必听CD，好几首名曲，例如A Night in Tunisia，Dizzy's Blues等都有收录。

小号里面还要特别聆听一下的是Miles Davis，美洲西海岸Cool Jazz的领军人物，专辑也很直接，就叫做《Birth of the Cool》。记得学校旁边的那间星巴克播放的基本都是Cool Jazz，以至于我在宿舍播放Miles Davis的专辑，大家都说很熟悉。

Cool Jazz小号里面，我喜欢Chet Baker的表演。他和Louis Armstrong一样除了小号吹的好，还有一把好嗓音。Cool Jazz的小号是比较适合咖啡馆那种地方，节奏很舒缓慵懒，没有之前新奥尔良时期那么的有冲击力。还有就是真力这种监听风格的音箱，很适合播放Cool Jazz。

Cool Jazz有个很明显特点是颤音缓慢，演奏特别的有技巧性。监听箱出于挑错的功能要求，在解析力上特别强，对于Cool Jazz的回放很接近演奏者录制时的情况，就像在现场聆听的感觉，松弛氛围。

我看许多人推荐爵士小号，都是翻上世纪波普时代的曲子。当代爵士小号里面也有不错的作品，例如Chris Botti、Gunhild Carling、Tomasz Stańko和Nils Petter Molvaer等等。当代爵士基本是玩融合的，Nils Petter Molvaer是这种思潮的代表了，人称爵士变色龙。初中时候第一次听他融合了电音的《Solid Ether》专辑就感觉很酷。23年他在国内巡演的时候，我还去凑过热闹，现场聆听很有意境，在家用音箱聆听一样的曲子都没有那种感觉。或许这就是爵士乐的魅力所在，每一次的演奏都是独一无二的内心表达。

萨克斯

相对小号，我们更熟悉的爵士乐是萨克斯演奏的，因为公园总有那么几个穿着很潮的大爷在吹萨克斯，声音低沉的来，又很磁性、忧伤。如果说小号的每个音都是直来直去，很有穿透力，那么萨克斯的音就是很丝滑地流露出来的，会有过渡，是很自然浪漫的感觉，是爵士乐格调的一种象征。

现在听到的那些爵士乐里面，主要是次中音萨克斯和上低音萨克斯，然而当初奠定萨克斯在爵士乐地位的，是高音萨克斯。和小号一样道理，高音萨克斯的声音很有穿透力。Sidney Bechet的蓝鸟精选专辑《Slippin' and Slidin'》，就是入坑爵士萨克斯音乐必推专辑。很喜欢他演奏的Muskrat Ramble，整个曲子都是简单又欢快的调子，吹出来的声音音色清亮悦耳。非常典型的新奥尔良爵士乐。心情不好的时候，都会被这种愉快节奏所治愈。

后面爵士乐都以次中音萨克斯为主流，应该是因为摇摆爵士乐大师Coleman Hawkins的影响。次中音萨克斯本来音色就很温和，Coleman Hawkins演奏下萨克斯音色变得稳重。其演奏里标志性的厚重颤音，高级的和声运用，流畅细腻的旋律，是当时很多大乐队的模仿对象。不过我感觉和Coleman Hawkins同时代的Lester Young，才是次中音萨克斯入坑必须去听的。他们两人有推出过一张专辑叫经典次中音，尤其值得听听。

Lester Young有萨克斯总统的称号，在许多爵士乐入门推荐里面，总会看到Miles Davis和Lester Young，因为他们都在后来西海岸Cool Jazz作出了影响。聊到西海岸音乐，我以前是真的相信音响有“东岸声”注重解析力，“西岸声”动态大声压高的说法。但是听的监听风格的箱子多了，发现所谓东西岸声音的区别，其实就是东海岸Hard Jazz和西海岸Cool Jazz的区别。

例如在真力G One上轮番播放Sonny Rollins和Stan Getz的萨克斯演奏，就很明显感受到一个演奏很细腻，一个演奏是爽朗的。真力这种监听风的音箱就好在这里，声音真实无粉饰。听过之后，就能深刻认识到，所谓的“东岸声”、“西岸声”，就是一些箱子掩盖声音缺陷的借口。

聊到西海岸Cool Jazz经典次中音萨克斯，就得说说Stan Getz。Stan Getz出过一张专辑叫《West Coast Jazz》，开始了Cool Jazz的潮流。我格外喜欢Stan Getz的演奏，轻柔的颤音给人很慵慵懒懒的感觉。Stan Getz说自己特别满意的专辑是《Focus》，而我认为《Captain Marvel》更好。然则《Captain Marvel》已有点爵士融合感觉了，不是很纯正的Cool Jazz。

和Stan Getz一样慵懒风格Jazz的还有Gerry Mulligan，他演奏的Chelsea Bridge就是典型，开头的三连音就给人很松弛的感受。但是Gerry Mulligan更经典的是他在加利福尼亚斯托克顿高中的演唱会，以自己的风格重奏了很多经典爵士乐，据说当时现场的氛围感也很放松，因为演奏很轻柔优雅。

Miles Davis的风格后期有点往调式爵士Modal Jazz方向走，John Coltrane跟了这种风格，而且爵士乐到了John Coltrane有点技巧了，Coltrane变奏很多玩萨克斯的都说有挑战性。还有纸片声的运用，萨克斯本是一种单音乐器，吹的快了，就像是把音像是一片片翻过去的样子，让曲子很有表现力。不过特别的是超高音的泛音，真力这种好音箱就能聆听到，非常有张力。

Miles Davis还牵起了融合爵士的潮流，将当时很流行的新乐器，例如电吉他，电贝斯什么的用于爵士乐，例如Henry Threadgill玩的是摇滚和爵士乐的融合。爵士融合里面很猎奇的一张专辑是Rahsaan Roland Kirk的Blacknuss，非常多乐器和萨克斯配合，甚至是哨子也被用上了。

Miles Davis乐团也出了很多融合爵士大师，譬如Wayne Shorter。他将蓝调与爵士融合，其专辑《Speak No Evil》还被蓝鸟收进了名盘里面。歌曲名字都来自寓言故事，感觉有点像是在聆听梦的声音。

融合爵士流派的萨克斯音乐有点像是萨克斯和其他乐器进行对话，不过基本的曲式与和弦还是比波普的那一套，真正做到突破的应该是自由爵士。所以第一个玩自由爵士的 Ornette Coleman，虽然水平不算大师，但是把爵士带到了一个新潮流。仔细聆听他的曲子，就会发现他很喜欢使用微分音程实现独特的演奏效果，传统中半音的那种界限被解放，高音被划分的更细致了。还有就是Ornette与贝斯手David，鼓手Moffett之间的回应非常即兴，没有固定节拍，甚至可以说没有固定的角色分工，很有新鲜感。

同样是没有明确分工的还有John Coltrane的专辑，他和贝斯手Jimmy，钢琴手，鼓手McCoy Tyner，鼓手Elvin Jones的对话都是动态的，导致曲子的织体很丰富，让萨克斯的感染力提升了一个新层次。

Anthony Braxton也是自由爵士的流派，不过他的演奏是自己独奏的。和Ornette Coleman相似的是，他也喜欢在音程上玩点新意。演奏起来非常的多变，你在他作品里一点典型结构都找不不到了。以至于你很奇怪为什么音乐会乍静乍喧的，实际上Anthony就是想营造这种时而兴奋时而放松的演奏，更有爵士本质的那种即兴感。

《For Alto》这专辑还被一些HiFi发烧友用来试音，因为太考验音箱的瞬态响应和失真度。不要看真力G One体积小，它在播放《For Alto》时乍静乍喧都是非常干脆利落的，素质相当不错。

《The Complete Machine Gun Sessions》这张专辑是公认的自由爵士巅峰，旋律都即兴到碎片化了。每个声部的旋律都是不可预测一样，是超复杂织体。而且Peter还是一个超厉害的萨克斯手，这专辑里有太多的复杂技法，有些人评价这专辑已经是炫技多于音乐了。不仅能听到一些极具爆发力的多音演奏，还有不少超吹，完全高于萨克斯的常规音域。相似风格的还有《Poisoned Minds: The Paris Concert》，Tim不仅自己炫技，和他合奏的也是各种炫技，复杂的节奏织体让人感叹精妙。

8090之后受摇滚风，什么音乐类型都有人在玩Hardcore，特别是黑旗的朋克混爵士Hardcore，爵士乐的即兴达到极致。我一些朋友说Hardcore爵士挺难接受的，像噪音一样了。但是意大利电影配乐大师玩的Hardcore爵士，就别开生面了，旋律是一听就很魔性的那种感觉。

钢琴

无论小号还是萨克斯，都有很强烈的黑人街头音乐风格，也让爵士真的很街市乐。真正让爵士乐高雅起来的，应该是艾灵顿公爵的爵士钢琴。艾灵顿公爵实际没有公爵血统，只是他弹钢琴的样子实在优雅，被大家称为公爵。

然而爵士钢琴不是艾灵顿公爵先带领流行的，首先的是James P. Johnson。James的钢琴还是比较蓝调的，是布鲁斯和弦，是12小节，但是加入了即兴部分，丰富了旋律与和声。他的即兴手法就是不了解爵士乐的，应该也见过。就是古典里面常见的跨越弹奏法，只是古典钢琴里面跨域弹奏是为了衔接上下音区的旋律，爵士钢琴是即兴的左右手对话。很多分不清蓝调与早期爵士乐，我都建议聆听《Snowy Morning Blues》，听完基本都对爵士和蓝调的区别有所了解。

聊到跨越弹奏法，还是胖子沃勒厉害，就是村上春树《爵士乐群英谱》封面弹钢琴的那个胖子。俗话说胖子都是很灵活的，他弹奏跨的音区很大，两只手更像是把钢琴当成了舞台，在上面对决一样。解析力越好的音箱，对于这张技巧的感知越明显。虽然他弹的曲子很多都是标准曲，结构清晰，但是喜欢使用切分音，让音乐的节奏感增强。我使用的真力G One就可以很清晰地聆听到切分音，能感受到胖子从温柔到有力的指法变化。

艾灵顿公爵对于爵士钢琴的过人之处，就是将原来的街头小合奏，变成了像管弦乐队一样有组织，有音色层叠效果。新港爵士音乐节的表演，艾灵顿公爵就将大乐队爵士玩出了管弦乐团一样的宽广动态范围。玩出了严肃的角色分工，与即兴并不冲突。本来在新港音乐节前，艾灵顿公爵这种歌厅摇摆风格的爵士音乐，已经被比波普所超越。艾灵顿公爵的这些实验性演奏，给摇摆流派带来了复兴。

摇摆爵士时代和艾灵顿公爵同地位的还有贝西伯爵，独特的贝西节奏在当时很流行。和艾灵顿公爵不一样是，贝西伯爵的乐队音色不是层叠，而是个性化的，十六个乐手都有自己的即兴空间，有比其他大乐队更多的独奏空间。《The Complete Atomic Basie》与《Ellington at Newport 1956》几乎差不多时间发布的专辑，风格走向完全不一样。贝西伯爵是拥抱比波普的，12小节蓝调结构里，利用第七、九和弦增强旋律感。各个乐器是即兴，但是又有动态的回应。艾灵顿公爵与贝西伯爵的这两种风格还来过对决，《First Time! The Count Meets the Duke》里一个优雅抒情，一个充满动感与节奏，是想大乐队钢琴爵士不能错过的专辑。

艾灵顿公爵除了玩大乐队，也有组小乐队玩，例如六重奏，玩玩蓝调风格的摇摆乐。主要还是钢琴和萨克斯的对话。艾灵顿公爵挺拥抱潮流的，他和贝斯手Charlie Mingus，鼓手Max Roach就合作过一张《Money Jungle》专辑。三重奏组合就很经典，是很多爵士乐的演奏形式。曲子都是艾灵顿公爵创作的，三款乐器之间既有对抗也有对话，不过主要还是三人的即兴炫技斗乐。

在大乐队之前，很多人弹奏爵士钢琴已经开始炫技了。而且有技术了不起的爵士钢琴手，还是一个盲人Art Tatum。阿塔弹奏的基本是32小节AABA结构的经典曲式，但是会加入音阶滑音或者装饰音，实现他的即兴演奏。还有就是手脚灵活配合，借助真力这种监听箱，我聆听阿特的钢琴都是满满的佩服。音乐的各个层次都清晰可辨，能感受到阿特一只手演奏低音旋律，另一只手演奏碎片化的旋律，脚还会踩踏板混合和声等多条旋律。真的很难想象如此炫的演奏，居然是一个盲人所弹的。

事实上炫技是爵士乐喜欢斗乐的传统了，玩到比波普的大师都是技法强的让人膜拜。Bud Powell可以做到在右手弹奏跨四个八度的半音音阶连奏的同时，左手还能来一个行走的贝斯线条。他的弹奏技艺，被很多人说是爵士乐里的李斯特。Bud Powell还是很保守的，都是传统的爵士乐曲式。炫技又有创新性的，要到后面比波普时代的Thelonious Monk。

《Misterioso》里Thelonious Monk还是很炫技的，在前面的《Monk’s Dream》专辑里，就和传统爵士钢琴的和声有了很大改变，Thelonious频繁使用省略三音的四度叠置和弦，说这是一种错置的优雅。即兴喜欢调式互换，喜欢微分音程实现独特的演奏效果。另外一张专辑《Brilliant Corners》有很多评价这专辑是硬波普爵士钢琴的启蒙，因为曲式虽然复杂，但是大众可听性可强。

Art Tatum影响了很多爵士乐钢琴手，他也一直是各个爵士钢琴手的模仿对象。Lennie Tristano感觉是和Art Tatum功力很接近的一位模仿者。不过后期Lennie Tristano开始和Thelonious Monk一样，除了炫技还关注起旋律的突破。例如将古典乐融入到爵士乐里面。用扩展和弦、替代和弦，半音音程等突破传统爵士乐的调性。风格很轻柔，适合悠哉游哉的下午，一边看书一边聆听。

悠哉游哉的下午，我播放更多的是Oscar Peterson在加拿大莎士比亚戏剧节的表演，Oscar选了贝斯手和吉他手进行合奏，与以往鼓手或管弦乐合奏有了很不一样的感觉。基调还是很摇摆风的，也是传统爵士乐的曲式，但是在弱音和强音动态转换线让曲子变得和传统爵士乐很不一样。再者他的曲子很多都是纯净的钢琴声，伴随丰富高频泛音，还有与吉他、贝斯的对话，就像是歌剧一样，与之前斗乐的即兴是两种风格。

聊到温柔的爵士乐，不可能不提《Sunday At The Village Vanguard》。在村上春树《挪威的森林》里面，渡边与直子在酒吧里面听的就是这专辑，村上春树也说这专辑是充满了孤独而又温柔的氛围。

我播放《Sunday At The Village Vanguard》的时候，还会特意将真力G One的Bass拨码开关拨开，本来我是比较靠墙摆放的，已经将Bass设定到衰减2dB，避免低频反射比较重。设定到衰减4dB，更是想低频降低一点，让中高频明显一些，播放的声音更暖，更符合《挪威的森林》里播放《Sunday At The Village Vanguard》的氛围。

三频均衡，是很多HiFi发烧友对于音箱的基本要求。不过偶尔来点味精，也没什么不好。毕竟播放爵士乐，氛围很重要。有时候聆听《Silent Tongues》挺无聊的，但是加班后拖着疲惫身体听听《Silent Tongues》，又好像很有意思。《Silent Tongues》记录了塞西尔在音乐节的表演，据说后来塞西尔都没有办法完全重现在音乐节上的那种演奏效果，同样风格的还有《The World Of Cecil Taylor》。我估计就是氛围感，本来塞西尔的演奏是很即兴的，曲式很新颖，甚至是没有明显结构，旋律也是支离破碎的，现场的热烈氛围让他的即兴演奏达到了新高度。

即兴爵士钢琴演奏，就离不开Keith Jarrett，一个演奏的时候连乐谱都不需要的人，表演之前也没有进行排练。曲式又是一些长乐段，强调连奏，就像是一场爵士乐的哥德堡变奏曲。有时候模仿敲击乐的那种方式进行触键，有时候相反会很温柔灵动，还喜欢利用踏板或者自己的人声哼唱进行伴奏。不过先锋派的爵士在当时有不少质疑，因为早期爵士乐脱胎于蓝调的爵士乐还是很有情感的音乐，Keith Jarrett的这些即兴就有点“冷漠”。

虽然即兴，Keith Jarrett的旋律线还是很清晰的，真玩到了无调性的是Paul Bley，喜欢勋伯格的那种将12个音平等对待，半音化织体。专辑《Open, to Love》就是典型，也有说这是一种意识流的即兴演奏。

意识流爵士钢琴还得提一嘴Alice Coltrane，她的音乐在爵士乐架构下，以自然音阶的任意一音作为主音，融合印度古典乐拉格。例如有使用印度坦布拉琴配合她的钢琴，还使用了乌德琴这种传统拨弦乐器，既有西方的迷幻爵士色彩，又有东方神韵。

事实上专辑《Journey in Satchidananda》的名字就很梵语，发呆的时候特别适合聆听这专辑，可以把时间忘却，真的有种游走意识里的感觉，很放松。

人声

爵士乐里面要说亲和力，还得看人声。毕竟和乐器相比，人声更容易引起情感共鸣。爵士大师Louis Armstrong既是吹小号的高手，也是爵士人声的名歌手。他沙哑又充满磁性的烟嗓一开口就让人陶醉，他的《What a Wonderful World》还被很多音响发烧友作为试机金曲。

与Louis Armstrong天生一对的爵士乐歌手是Ella Fitzgerald，一个是负责中高音，一个负责中低音，一个声音明亮圆润，一个声音深沉醇厚。两人都是拟声的大师，能很熟练地使用人声模仿乐器的声音。《Verve Jazz Masters 24: Ella Fitzgerald & Louis Armstrong》这两大师合唱的精选专辑，同时也是我爵士乐试机常用专辑之一。

如果要在Louis Armstrong和Ella Fitzgerald两个之间作出高低，我认为Ella Fitzgerald的唱功要高一筹。跨度70分贝的弱音和强音，柔美的音色都不会改变。能精准控制颤音，还善于模仿管弦乐的发声。我家的这个CD架是专门定制的，刚好摆放音箱的高度，和我坐在床上时的耳朵持平，保证良好的人声结像，仿佛歌手就在眼前歌唱一般。

真力G One本来的Iso-Pod底座就有调节角度的功能，所以不一定说非得坐在床上的时候可以有最佳听感，调节下Iso-Pod底座，躺床上时也能有极好的听音体验。

Billie Holiday与Ella Fitzgerald、Sarah Vaughan三人算是上世纪中期爵士女声的天后。Billie Holiday因为经历很惨，与Ella Fitzgerald那种歌厅愉快的摇摆风有很大区别，有点哭腔。不过正是这种唱风，与蓝调的抑郁基调很吻合，歌声更能引起人心的共鸣。

与Louis Armstrong一样男声的有Nat King Cole，但是他的声音偏向醇厚的中音，他的歌唱有点像是靠在耳边，跟你娓娓道来即兴的诗歌。尾音常有标志性的颤音，充满优雅懒散的氛围。周末的早上听他的歌特别的合适，能让人很放松，很悠哉游哉的感觉。他女儿歌声也不差，深得真传。

Nat King Cole这种耳语式歌唱方式的还有Astrud Gilberto，而且她的即兴人声没有那么技巧性，尾音的轻颤更显自然。歌曲节奏是有点巴西桑巴风格的，很动感。聆听她的歌曲，有一种雨中误入街角小清吧的感觉，明明音乐很有节奏动感，但是吧台的驻唱懒慵慵的。Astrud的唱法很多人模仿，例如小野丽莎。

Nat King Cole影响了后面很多爵士人声，例如一样是优雅男声的渔夫Michael Buble。他的声音非常醇厚，充满磁性。曲式都是现在比较流行的方式演绎经典，复古但是不老套的感觉。很多人估计在电影里有听过他的歌，还有就是他的《Christmas》在欧美圣诞节街头总能听到。

擅长将传统爵士乐以流行曲方式演绎的还有Diana Krall，她的声音带有一点沙哑，也和蓝调的抑郁基调很吻合，所以歌声很容易就掳获人心。Diana Krall还很擅长爵士钢琴，和以往喜欢炫技的比波普爵士钢琴手不一样，她是比较喜欢减法的人，融合了民谣和乡村音乐，让节奏变得很舒缓，很抒情。

Norah Jones的歌声也是融合了民谣的爵士人声，而且唱腔有点模仿Nat King Cole和早期的爵士女声，例如Billie Holiday与Ella Fitzgerald等等，会特别注注意颤音来传递她的情感。Norah Jones的歌曲大都是爵士钢琴三重奏伴奏，又或者说是她的声音是钢琴、贝斯、爵士鼓的伴奏。

建议选择真力这种低失真的箱子聆听，不然很容易有一种声音散、乱的感觉。真力G系列箱子的圆润外形，是可以减少箱体尖锐棱所引起的声音衍射，结像更清晰。这样可以真切地感觉到她歌声的细腻优美，节奏舒缓甚至是很催眠，失眠的时候聆听很容易就会身心放松。

时至今日Ella Fitzgerald等爵士女天后的影响力依旧很强，新生代爵士女歌手就有不少模仿的，有人说这种是复古少女，是孙女在唱歌奶奶的怀旧曲单。深得真传的是Samara Joy，不过她将经典爵士曲加入了很多现代电音元素，又或者是编排成流行曲般极简和弦。

其他

除了小号，萨克斯、钢琴等乐器，爵士乐里面还有许多的乐器也有许多其他的乐器，特别是融合爵士后，参与的乐器更多。爵士的本质是即兴，是演奏者的个人表达，又或者是与其他演奏者的对话、斗乐，什么乐器并不重要。

例如爵士乐可以是小乐队，也可以是像古典乐一样的大编制乐队。维也纳艺术乐团就是一支爵士乐团，很擅长将古典乐改编成爵士乐。Erik Satie的古典乐也和传统古典乐不一样，形式是由独立的乐句组成，节奏也很柔和舒缓，改编成爵士乐是非常适合的。可以让曲子既有大编制古典乐的那种充满层次感的和声，又有爵士乐的即兴抒情。有些人说小音箱不适合聆听爵士乐，特别是近场聆听的监听箱更不适合，说气势不够。但是真力G One会颠覆很多人对小箱子的印象，气势一点也不差。

其他乐器对于爵士乐的影响力，鼓是不可忽视的，最早奥尔良Dixieland爵士乐队里面鼓手可是仅次于钢琴手的存在。鼓独当一面的爵士乐不多，首先玩的是硬波普流派的Max Roach，《Percussion Bitter Sweet》也被也被一些音响HiFi发烧友用于试机。Max Roach擅长使用复杂切分音和快速线性节奏，所以鼓声有很宽广的动态范围，很适合试机。另外还擅长将鼓模仿其他乐器，例如口琴的滑音。Max Roach也有和其他鼓手斗乐的，例如和Buddy Rich，两位都是爵士乐大师级鼓手。氛围不必奥尔良时期的那些小号斗乐氛围差，一些曲目也相当动感。除了Max Roach，还有Billy Cobham、Sunny Murray、Tony Williams等鼓手的作品也值得一听。

吉他早期都是作为伴奏的存在，直到 Eddie Condon后，吉他的重要地位才被凸显。然后在爵士乐中，吉他手也开始尝试担当大任，例如Wes Montgomery。Wes Montgomery也是炫技派，玩过吉他的都感觉他的弹法好费手，也和他手指灵活度有关，一般人的大拇指是做不到他那灵活度的。他能弹奏两个八度音，让吉他有媲美萨克斯的那种细腻音色。创造性演奏吉他的爵士乐手还有Bill Frisell ，他的《Rambler》就有一些单簧管的演奏技巧融入。爵士乐里革新性的吉他手还是挺多的，例如John McLaughlin，Kenny Burrell，Django Reinhardt等都很炫技。

Wes Montgomery其实是受到了Charlie Christian影响，才开始意识到吉他其实可以作为核心。Charlie Christian在电吉他问世后不就，就将其带进了爵士乐领域，并且不是作为伴奏，而是作为独奏的存在。爵士乐一直以来对于新乐器是不抗拒的，甚至还有些乐器是为爵士乐而存在的，例如Pat Metheny的42弦吉他等。

聊到吉他，在爵士乐中还有吉他搭配小提琴的组合，吉普赛爵士流派的开创者，就是一对小提琴加吉他的组合，Stéphane Grappelli拉小提琴， Django Reinhardt弹吉他。Stéphane Grappelli的绝技是懂得利用小提琴，去模仿黑人爵士乐歌手的那种沧桑人声。另外小提琴也有电声的玩法玩法， Jean‐Luc Ponty玩的就是电气化的小提琴，而且还加上了效果器丰富小提琴的音色。Jean‐Luc Ponty自身实力也很强，演奏都是炫技风的独奏。

在爵士乐里面，单簧管和萨克斯也是很重要的乐器，奥尔良时期、摇摆乐时期都是和常昊等作为伴奏，摇摆乐大师Benny Goodman就吹得一手好单簧管；奥尔良时期也有 Jimmie Noone、Johnny Dodds和Sidney Bechet等三巨头。不过单簧管因为音域原因，不如萨克斯全因与把控，所以在独当一面上还是比较受限。同样问题的还有长号，长号本来就是为了伴奏而发明的，所以单簧管和长号的曲目，实际上都要有大乐队进行配合。

后记

爵士乐的好歌非常多，而且是每一种流派下都有不少好歌。单独一篇文章还是不够把好听的Jazz音乐说清楚，我会试着针对每种乐器每个流派再详细聊聊，感兴趣的可以关注我的更新。

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