看完这本书，也会写影评！含金量高，专业性强！

为什么我要看这本书？

平时我看电影电视剧会写一些影评，但是我始终觉得自己写得不够专业，篇幅重点都放在介绍剧情上，影视拍摄技法、镜头语言、场面调度等很少提及，这种影评显得很不专业，也很浅显，久而久之自己都觉得很无聊，就别说其他人了。

我是一直想在自媒体深耕的，看电影是我的爱好之一，写影评就很顺其自然。我想要写出好的有深度的影评，于是我就买来了这本书。

但是，为什么我要写影评呢？难道只是单纯地为了做自媒体吗？我不禁想到我跟同学讨论电视剧的小学时光。

那时候家长看什么我们就跟着看什么，所以我跟着看了很多古装电视剧，比如《武林外史》，《小李飞刀》等经典武侠剧。看完第二天到学校，就会跟那些爱看电视剧的同学一起下课了讨论，几个小女生躲在某个角落，各自讲自己最喜欢的片段，讲得唾沫横飞，直到上课铃响还意犹未尽。那时候我就获得了分享与交流共同爱好的乐趣。

后面我以写影评作为自媒体起点，纯粹也是因为在这块好像自己是有表达欲的，即便不专业，即便文笔也不够好。但是终极内核依然是，我在分享的过程中获得了快乐——我看到了一部好的电影，我想用自己的语言表达出对这部电影的喜爱，我很想分享给别人，这个过程几乎让我重温了一遍电影，获得了双重的快乐。所以写影评，其实就是让观影时的快乐放大，享受更丰富的满足感。

再翻开本书时，对于第一章的内容就深有体会，例子里面提到的对篮球没什么兴趣或者没有能力分析评论的人来说，也许只能享受到某种程度的满足，但是对于那些能够对其中的规则及其可能性进行智性分析的人来说能够享受到更加微妙的愉悦。这个就很能说明普通观影者和专业观影者从电影中获得的乐趣是不同层次的，专业的影评人和业余影评人的体会也是很不一样的。

既然电影影响了我们生活的方方面面，我们就应该以多种方式来享受它，其中包括写出专业的影评。

那么影评应该“长什么样”呢？

本书的作者蒂莫西·J·科里根（Timothy J. Corrigan）是美国宾夕法尼亚大学英文系教授、电影学研究主任，在多地教授电影课程，他创作的很多跟电影有关的作品都曾被用作电影专业学生的入门教材。他根据自己多年写作与电影行业教育经验写成，已再版8次，每次再版都会根据当下潮流进行增补。

他把影评根据传统方法、人群的适应性，分为以下四种：

- 电影报告 – 主要为班级讨论或考试而准备的一篇小文章，大概三四段，集中讨论和课程主题有关的两到四个观点，避免给出强硬的观点和特定的理由，目标是在试听两个方面尽可能的客观和详尽。

- 电影评论 – 受众是不具备专业电影知识的读者，功能是给大家介绍还没看过的电影，推荐或者不推荐大家去看，大部分篇幅都在该书情节和与电影有关的背景知识。（很多自媒体写的文章就是电影评论的一部分）

- 理论文章 – 目标受众通常是高年级学生或者教授电影研究的老师，内容很多关于电影和现实的关系、电影工业的政治经济基础，或者电影叙事是如何不同于文学叙事的。目的是解释电影中更大和更复杂的结构，以及我们该怎么去理解它。（相关专业人士可看的）

- 评论文章 – 是介于理论文章和影评之间的。这类文章的作者一般预设读者已经看过或者至少熟悉将要讨论的电影。可能会提示电影的主题和情节，但不建议详细重述电影故事。这类文章重心比电影评论要详细的多，因为作者希望能揭露一些细节或者复杂点，因此这类文章可能会重点关注电影的某一小段，或是与某个角色相关的一个摄影机角度。（受众读者可能是电影爱好者，比理论文章更加广泛。专业影评就是这类文章）

有用的经验：个人观点和情感在什么时候不仅对你很重要，对别人来说也很重要。也就是说，影评通常是带有个人观点和立场的，想要自己的影评有根有据，并且获得认同，那就要让自己的观点有支撑，逻辑让人信服。

了解了影评的种类之后，就需要开始为影评做准备并且观看电影了。

作为一种艺术形式，电影包含了文学、造型艺术、音乐、舞蹈、喜剧甚至建筑，而这些层面都可以成为影评的主题。另外，电影工业依赖技术进步，技术进步也会反映在电影工业里，所以影评也可以探讨技术与电影的互相成就。

在看电影的过程中，一般都会跟着剧情的推进产生一系列的问题，如导演为何要用这种方式拍？导演的风格都是这样吗？这种拍摄方式给自己带来了什么样的感受……带着这些预设问题边看边思考，同时要做好笔记，记录下重要的信息、非常特殊的镜头语言、台词、某一特定的场景或者声音，并快速记录下自己简要的观点与想法。

但是，要想写出一片兼具专业性与娱乐性的优质影评，我们还需要掌握一般的电影术语，在文章中使用专业术语，会让文章看起来更加权威，说服力更强。

作者比较简洁地从主题到结构以及技术、声音等多方面给出了一些相关术语的解读。

首先，电影都是有一个主题的，在观看的时候我们就能形成一个大致的观点，后期通过各种不同的术语来丰满、充实这个主题，就容易形成一片完整的影评。

其次，电影跟小说一样，都会有叙事、角色、视点这三个元素。

叙事，包括了故事、情节、叙事方式。比如古典性叙事，其特点就是情节发展有逻辑性、在影片结尾有明确的结局、人物始终是故事的重心、叙事风格尽量客观。

非传统叙事：即有别于古典性叙事的叙事方式。如果电影看起来并没组成一个故事，那什么是其组织结构的模型——梦，争论，新闻报道？ 什么样的电影形式特征或组织模式会凸显出来？一组对照、重复、不连贯的片段？为什么那种模式对电影的表达很重要？

角色，无论是在叙事电影还是非叙事电影里，无论主角还是配角，都集中了人物的行为和电影的主题，一般而言我们对电影的讨论都集中于发生在角色身上的事情及其演变。所以分析角色也成为写影评的重要组成部分。通过这些问题可以帮助分析角色：角色是否真实？是什么让他们具有真实感？如果不真实，又是为什么？为什么他们试图看起来很奇怪或者不可思议？角色与故事背景是否适配？

视点，即看的位置，及暗示视点决定观众所见之事的方式，比如从不同位置看视点会不同，比如小孩子和成年人对某个地方的视点也不同。同样地，我们还可以谈论摄影机与被摄人物或者动作之间关系的视点，或者叙事刻画主题的视点。有的电影不局限于任何人的视角，也有的是某个人的主观视角，探讨视角的两个基本原则：1. 观察摄影机在什么时候和怎样创造出了一个角色的视点。2. 注意故事主要是从一个客观视点出发进行讲述的，还是从某人的主观理解而来。

第三，场面调度是电影影像的所有特点，包括灯光、服装、布景、演技及场景中的其他状况和角色。但电影媒介本身的现实主义幻觉会导致我们低谷或忽略场面调度。

场地和布景是指拍摄的地点或者搭景，场地和布景可以诠释人物和情节，可以暗示影片的现实主义，也可以描述电影的主题。评写场地和布景时，必须发掘与电影主题和其他层面的相关意义，比如某一特定历史时期的布景对主题的表达剧有什么意义等。

服装，是定位角色的关键，通过服装我们可以了解角色的特点，他们的打扮暗示了他们看待自己的方式或者他们期望被别人看待的方式。

布光，以自然光或人造光源照射角色、物体或者某个场景的方式。灯光可以传递情绪、制造特殊氛围。

第四，构图和影像。任何一部电影都是由摄影机来拍摄场面调度的，观众会注意到布景、演员、灯光等所有一切被记录并放映出来的元素。包括镜头、画面剪辑。

镜头，就是在银幕上所见的、切换到下一影像之前的影像。一个镜头可以包含不同的情节和动作，而画面的景框是可以移动的。比如一个镜头可以表现一个站在酒吧旁边的牛仔，然后再将摄影机移近来特写这个人物，当影像切换到另一个位置，影片就已经切换到第二个镜头了。镜头的摄影特性包括色调（画面中颜色的范围和质感，某个颜色是否有象征意义？）、影片速度（快动作、慢动作）、画面的空间透视（画面中不同的被摄物体和人物之间的空间关系，深景、深焦、浅焦、变焦。思考画面的焦点是什么，这些画面是否创造了一个深焦的世界活着世界看起来不是正常的平面等，都有助于理解画面构图）、景框（决定了其边界和所包含的场面调度，比如宽银幕景框特别适合西部广阔的空间和科幻片中无边无垠的宇宙，而小的景框则比较适合描写个人内心波动或空间狭小的逼仄感。可以从这些问题帮助自己理解镜头语言：摄影机景框再现动作的角度是俯拍还是仰拍？景框高度与人、物关系是否在同一个水平或偏高？是否有大量的特写镜头？）、移动景框、升降镜头等等。

不同的镜头和拍摄角度，都可能带了特别的用意。

画面剪辑，一般会遵循某种发展逻辑，或是某种有目的的陈述。一个镜头可以在银幕上停留任意长的时间，这就产生了剪辑的速度和节奏。一系列的镜头可以连接成一个单一的场景，这样的场景通常有固定的时空，而剪辑就让这些镜头构建成电影中比较长的段落和意义。古典电影中经常使用连贯性剪辑，风格是流畅剪辑，画面连贯，这样观众不容易分散注意力。连贯性剪辑需要高超的剪辑技巧，常见的技巧有：定场镜头（将某一个片段划分为更加详尽的镜头前，先以清楚标明其所在位置来开始该场或片段的镜头）、正反打镜头、淡入或淡出、圈入或圈出、划变（一条横线穿过画面，清除一个镜头，引入另一个镜头）、叠化。如果某部电影没有使用连贯性剪辑时，可以从这些问题来思考突兀剪辑想要达到的效果：没有定场镜头是否造成了迷失感，迷失感跟电影主题有关吗？为什么时间连续性以一种令人困惑的方式中断，想表达什么？为什么缺乏我们可认同的视点镜头？

检视剪辑策略和镜头间的关系时，可以依从这些普遍性原则：

观察镜头的剪辑时如何建立景物和情节之间的关系的。剪辑是否在剧中的人物、事件与动作间建立了联系或对立？

注意影像间更加抽象的关系，在相连的影像中人物的运动和方向是否一致？不同镜头间空间的使用是否产生了图像的对比或类似？

第五，声音。声音是电影中不可或缺的元素，可以按照音调、音量和音质来进行描绘。可以是同期声（现场录音），或后期配音（国产剧很多就是配音）。电影声音包括对白、音乐或噪音，还有画外音。这里是一些描写电影声音的专业术语：声音的连续性、声音蒙太奇、环境音、重叠对话、画外音、旁白、叙事提示。

评写声音可以从这些问题着手：在特定的场景或片段里，声音和画面有什么关系？声音是否是用来连接画面的？声音是否扮演了引入和结束画面的传统角色？声音是否变得比画面更重要，为什么？音乐剧中的音乐是否和叙事有特殊的关系？沉默在影片中起了什么作用？是否存在声音主题和人物或剧情不一致的作用？

第六，动画、3D和新媒体。随着技术的进步，数字动画比以前更能 创造出更精致和复杂的图像。3D更是成为特效中最新的科技创新，可以让观众身临其境享受一部电影。

评价这些新媒体工具创造出来的电影，可以从以下问题作为出发点：

图像、故事或声音是怎样比传统的电影或视频更加强调它们与观众之间的独特互动？这样如何有利于解释它们的目标？

特定的传媒技术是如何分开它的信息的？

综上所述，评价电影，需要了解一定的专业术语并理解它们在电影中的运用，然后思考它们想要达到的效果、对主题表达的帮助。了解了这些专业知识，影评就不会再局限于内容的复述，而是转向更加专业和准确的叙述。而且即使不是为了写影评，学习这些专业知识，也能加深自己对电影的理解，让观影体验更加丰富、观感层次更多。

了解了电影相关专业术语之后，就进入到评写电影的六种方法了。

这六种方法分别是：

1. 电影史。在电影批评里，历史方法是最广泛使用的方法之一。如果使用这种方法，一般创作者会从以下问题入手：电影自身之间的历史关系（比如一部电影中跨越不同的时代，这些时代中的布景是如何使用的）、电影及其制作条件的关系（不同年代的电影创作技术不同）、电影与受众的关系（比如一篇文章探讨20世纪50年代的电视是如何改变那个时期电影观众的期待的）。

从历史的角度分析一部电影，不能脱离故事背景以及电影制作背景，都需要专注于历史事实，这种方法多用于分析有明确时代背景的电影作品。

可以从这些问题发散思维：某些历史事件在电影里被表现的方式是否很特别？为什么？历史背景是否能够帮助观众理解电影中的叙事或技术技巧？电影是完全根据历史还是部分来自历史？论证是否能够讲清楚影片在历史中的作用？电影背后的历史事实还是观众的反应方式成为文章的论证重点？

2. 民族电影。就是从文化和民族性格的角度来分析电影。作者举了两个例子，要理解《兵工厂》的复杂性，就必须把电影放在俄国后革命时期的政治和美学氛围中；看懂《远雷》，就必须了解印度的社会和文化。根据这种方法，电影中看待世界和描绘世界的方式依照国家和文化的不同而不同。

分析这类电影，可以从这些问题来发散思维：这部电影与平时所熟知的美国片/国产片有什么不同？当处于另一种文化时，影片的意义有何不同？作为一个美国人，对20世纪50年代英国电影的理解和那个时候的美国观众有何不同？也可以换成是对同时期韩国电影的理解，和那个时候的我们自己的观众有何不同？要看懂这类电影，必须置身于那个时代，从那个时代的某个切入点来分析。

3. 类型，即种类，根据形式和内容的模式对电影进行分类。在分析的过程中，类型的讨论经常是检视一部电影如何组织故事和观众期待的有效方式。比如分析一部非传统的西部片，我们就可以分析其中哪些地方是背离了传统西部片的模版，有哪些创新，有哪些特点。

从类型分析电影，就需要知道电影类型有哪些（西部片、歌舞片、黑色电影、科幻、惊悚等等），知道每个类型的特点，最好多看看一些相关的代表作。写文章时，可以从这些问题进行发散思维：某种类型电影是什么时候产生的、如何发生变化的？正在分析的电影故事是否符合它所属的类型？不同类型公式的综合是否达到意想不到的结果？某部电影是否是某个类型的变体、为什么、论证点是什么？

4. 作者论，也就是通过将影片和导演或者片中的主要人物比如某个明星相联系，来分析一部电影。比如评价大卫·芬奇的电影信息量巨大，节奏超快，这就是一种作者论评价。平时我们看到某篇影评中着重强调导演/编剧，就是因为导演/编剧自成一派，有着自己的风格，而且名气很大，所以提他们的创作理念和风格很能吸引即将观影的读者。

从作者论分析电影，可以从这些问题进行发散：导演对电影影响的最明显标志是什么？是剪辑、故事本身、还是主题、地点？对电影的期待是因为基于导演或者编剧还是演员，为什么？经过多年的锤炼，导演的作品有什么变化？

5. 形式主义的种类。形式主义是关于一部电影的风格和结构，或者是拍摄技巧如叙事、场面调度等是如何在电影中以某种方式组织起来的。

一篇探讨形式主义的文章，焦点主要还是关于模式的，比如叙事开头和结尾、有意义的重复、摄影机技巧的变化、镜头和片段之间的关系、色调和空间的变化等等。但一般创作者会将这些形式内容与电影主题放在一起探讨。形式主义的分析会成为其他作者论、电影史、类型分析的一个论证，因为任何形式主义的使用都是为了影片主题服务的。这样的文章不会距离读者太远（毕竟有很多电影拍摄技巧的讨论），也不会显得专业性不足，相反，这样的文章会非常充盈，有理有据。

6. 意识形态。某种意义上，它是“政治”的一种比较微妙的说法，电影中的意识形态可能是指一个人对家庭圣洁感的坚信，也可以是“文明就是进步”的观念。影片中清晰传递出的关于个人主义、两性关系、家庭生活的重要性、种族、欧洲历史等种种意识形态，都可以讨论。

从这个角度分析电影，可以从这些问题发散：女性主义研究（女性如何在电影中被正面/负面地再现）、种族研究、阶级研究（分析电影中社会和经济方面的安排，以此来反映社会权力是如何在电影中被分配的）、后殖民主义研究（用全球化的视角来检视电影，揭示被边缘化或殖民化的文化里本土视角的出现和反抗、同性恋理论（探究公认的关系如何被挑战或摧毁，特别是通过与异性恋价值观的对抗）。

这六种方法互相独立，也可以互相融合，一篇影评可以既包含了电影史、民族、形式主义，也可以杂糅类型、意识形态、作者论，就看写作功底了。如果是资深影评人，他们写作时肯定会不自觉地囊括很多方面的内容。但作为初写作的影评人，最好还是先钻研其中一种或两种。

到这里，作者已经讲完了本书最重要的干货部分。

写作风格与结构部分，作者是在英语语境下的建议，对于中文语境的写作者而言，实用性不大。但是他提出的如选择合适的词、使用简洁有力的句子、有条理的段落、开篇点题以及修改校对等还是非常实用的。一篇文章写完我们最好自己读一遍，检查是否有陈词滥调、错别字、语句段落是否通顺等问题。

除了看和写之外，想要在影评写作上取得好成绩，还要不断地进行电影研究，不仅要不停地看电影，还要看相关书籍，同时看相关领域知名作家的作品。

放到我们的语境下，就是要不停地看电影，了解那些专业术语在电影中的应用，彻底理解它们。如果有必要，再找来相关的书籍系统地学习。此外，我们也会看到很多大博主们的优秀文章，可以研究他们的行文规则、文章结构、论证铺排等。

只有不断地学习和研究，才能与时俱进写出专业而深刻的影评。

这本书对我的帮助真的还蛮大的，以前写影评我大部分都是复述电影内容，最多加点自己对故事和主题的思考就再也写不出其他新意，而现在我开始有意避免不能流于电影内容复述了。我在尝试解析某些特殊镜头/拍摄方式，然后结合电影主题作出自己的分析。

对于非专业的影评人，对于想做影视自媒体的人，跟着它，我们也能写出爆款影评出来的！